LETTURA MUSICALE: introduzione della notazione musicale, riconoscimento delle note nelle piu’diffuse posizioni sullo strumento. Utilizzo della lettura per la comprensione ritmico/melodica dei brani concordati col docente.
TEORIA E ARMONIA. Introduzione del concetto di scale maggiori e minori, introduzione del concetto di tonalità’ e sviluppo della capacità di trasportare velocemente semplici progressioni di accordi in più’ tonalità. Accordi maggiori e minori in tutte le tonalità’ . Introduzione del concetto di “forma” (sezioni, numero di misure, svenutali ripetizioni e variazioni) nella musica. Imparare ad individuare in breve tempo la tonalità’ di un brano, individuare ed eseguire gli accordi e le relative scale di appartenenza sullo strumento. Comprendere ed essere in grado di trasportare un semplice brano tonale in tutte le tonalità.
TECNICA: Introduzione del concetto di diteggiatura. Studio delle diteggiature di alcune scale maggiori e/o minori (in posizioni funzionali e semplici) e di tutte le diteggiature della scala pentatonica.
Studio degli arpeggi, dell’uso delle dita, del tocco libero con relativa impostazione della mano destra. Esecuzione di semplici studi provenienti dalla didattica e dal repertorio della musica classica, quando possibile. Introduzione del concetto di pennata alternata, legatura ascendente e discendente, bending, slide e tecniche di pronuncia per l’esecuzione di semplici melodie e brevi parti solistiche.
RITMO. Studi ritmici a metronomo a varie velocità’ utilizzando la griglia ritmica degli ottavi, delle terzine di ottavi e dei sedicesimi in tre quarti e quattro quarti. Introduzione e utilizzo dei tempi composti (sei ottavi, dodici ottavi prevalentemente) Esercizi ritmici semplici sulle terzine, sulla suddivisione ritmica della pulsazione larga in varie figurazioni metriche. Conoscenza approfondita di tutti gli accenti nella misura di quattro quarti. Guida all’utilizzo del metronomo come indispensabile strumento di studio. Studio di semplici solfeggi ritmici funzionali alla comprensione degli argomenti sopra descritti.

Studio dell’armonia funzionale: triadi e quadriadi, cicli diatonici, cadenze e progressioni. Studio e comprensione del significato di centro tonale maggiore e minore con relative cadenze. introduzione e studio delle dominanti secondarie, dell’assegnazione della giusta sonorità’ e scala ad ogni accordo, analisi armonica dei brani. Studio delle principali forme compositive nella musica moderna (Blues, forma song AABA e varianti, rhythm changes, altro). Comprensione ed utilizzo delle linee guida degli accordi per condurre un tema melodico, un comping armonico e un assolo improvvisato o scritto. Studio delle sonorità’ modali, delle relative scale e del “superamento” del concetto di centro tonale.
TECNICA/MELODIA studio dettagliato di triadi, quadriadi in disposizione chiusa o aperta. Continuita’ armonica applicata a livello armonico e melodico sullo strumento. Studio delle scale principali su tutto il manico in tutte le tonalità’. Studio applicato a gruppi di corde adiacenti o separate. Utilizzo di pennata alternata, sweep picking, legature ascendenti e discendenti, slides, bending. Guida alla scelta ed all’utilizzo delle diteggiature di scale ed accordi. Armonizzazioni di semplici brani concordati col docente. Trascrizioni con analisi didattica di soli e di brani concordati con l’insegnante. Studio di brani presi dal repertorio classico, jazzistico e rock pop che abbiano significato nel percorso di studio. RITMO. Solfeggi ritmici. Utilizzo del metronomo con metriche sovrapposte. Utilizzo creativo del metronomo. Modulazioni metriche, Poliritmie semplici (3 su 4 e sviluppi), tempi composti e tempi dispari, studio su come accompagnare ritmicamente un brano in vari “generi” e situazioni (duo, trio, quartetto, orchestra). Lavoro di sviluppo dell’ascolto musicale mentre si suona, sviluppo della capacita’ di improvvisare in duo, a tempo, con il docente, rispettando gli accordi e la forma del brano che si esegue.

• solfeggio ritmico: note, pause, raggruppamenti, segni, tempi
• teoria: cenni su chiavi, alterazioni, scale e accordi
• la scrittura per batteristi: spartiti, charts, ostinati, obbligati, lo swing feel
• solfeggio avanzato: dinamiche, diteggiature, poliritmie, polimetrie

• evoluzione del linguaggio batteristico: tribale, militare, classico, folk, il ‘900
• gli stili della musica occidentale: disco, rock, funk, jazz, afro, latin, metal, progressive
• i grandi nomi del passato: i pionieri, le grandi personalità, i solisti
• le avanguardie: musica elettronica, retro engineering, math music, fusion contemporanea

• evoluzione tecnologica: dei materiali, delle soluzioni, dei sistemi di microfonazione
• timbriche e caratteristiche: legni, pelli, piatti
• settaggio: manutenzione, calibrazione, accordatura
• alternative alle bacchette: spazzole, mallets, hot rods, mani
• la batteria elettronica: pad, trigger, MIDI, librerie audio

• suonare a tempo: col metronomo, con la drum machine, con la base
• l’importanza del contesto: scegliere le dinamiche, lo stile e il suono adatti
• gestire il tempo: suonare ‘avanti’, ‘indietro’, o ‘sul’ tempo

Cos’è la voce di petto? E quella di testa? Come funziona il registro misto? 

Arriva un momento, per ogni cantante, in cui ci si trova ad affrontare note acute, talvolta apparentemente inarrivabili. Spesso si tratta di limiti psicologici, o ancora dettati da lacune semplicemente tecniche. Ogni voce è diversa, ma le corde vocali funzionano tutte nello stesso modo(o quasi).

Nel canto moderno si fa un grande uso di effetti “speciali”, sia per rendere l’interpretazione di un brano particolarmente emozionante, sia a livello stilistico, per rendere una vocalità subito identificabile. Conoscere e riconoscere un glissato, un melisma, uno yodel o una voce vibrata è fondamentale per poter noi stessi utilizzare questi elementi nelle canzoni.

Pop, Soul, Rock o R&B? Ci sono canzoni che ci piacciono, e canzoni che ci vengono bene. Spesso le due categorie coincidono, ma non sempre. Individuare il repertorio più adatto a ogni voce, è compito dell’insegnante, che lavorerà per rendere autonomo ogni cantante in questo lavoro di scelta. Partire dalle canzoni che si amano, ampliare le proprie conoscenze, sperimentare generi diversi… costruirsi un’identità vocale.

Mesi, talvolta anni di preparazione, respirazione, vocalizzi, e poi tutto si dissolve per la paura che si prova davanti a un oggetto necessario ma che non si sa adoperare: il microfono. L’emozione data dal palco, la voglia di esibirsi ma al tempo stesso la paura di sbagliare. Queste sono le problematiche principali indirettamente legate alla voce, risolvibili con la pratica e lo studio.

La voce, uno strumento senza custodia. Compito dell’insegnante di canto è quello di consigliare l’artista in alcune semplici scelte, che possono davvero fare la differenza. Si mangia prima o dopo una performance? Cos’è l’erisimo? In quale modo l’alimentazione influenza la vocalità?